《山中人》，琉璃、石膏，52*120*50cm

《江山卧游境界》《山中人》（中外共享区）

材料：琉璃，石膏

尺寸：38×653×52cm；52×120×50cm

作者：杨冬白

简介：《江山卧游境界》与《山中人》这两件作品，以琉璃为主要材质，采用青铜脱蜡铸造技术制造，经后期控制，打磨出粗粝、拙朴的质感，还原山水肌理强烈的褶皱触感，同时保留其光洁剔透的特质，隐含着晶莹的釉质感和玉质感。在不同光线下表现出冷暖相间、虚实相成的朦胧意境。以独创性的雕塑语言与创作手法，将感性的山水意境与理性文化神精神转化到理想空间的建构中。

《江山卧游境界》，琉璃、石膏，38×653×52cm

艺术家杨冬白的工作室在朱家角东南一隅，那里视野开阔，能眺望大片稻田和青空。工作室陈列着他的众多雕塑、国画及摄影作品，大多数作品都是山水主题。“山水是中国人的精神象征，变化万千，不断生长。”杨冬白相信，山水比其他任何一种风景都更广博，更有象征性，也更过瘾。

中国国际进口博览会上，杨冬白的两件山水主题琉璃雕塑《山中人》《江山卧游境界》展出。寄情于山水，寄兴于创作过程本身，他在艺术劳动中沉潜，一副乐此不疲的样子。后来他说：“我长时间用自己的能量、自己的眼界在创作，我不再考虑艺术境界能高到什么程度，但我会坚持下去，给它们生命。虽然世界变化得快，但我很放松。”

在坚硬的琉璃、不锈钢、铝板里，注入山水意境，更有非止于山水的言说

杨冬白对于材料很敏感，在研究物质的物理属性的过程中，他产生了愈发强烈的感受。“材料的变异就是生命力，材料的局限就是魅力。”

《江山卧游境界》与《山中人》这两件作品，以琉璃为主要材质。琉璃这么美，如何碰的得？杨冬白一度回避这种被古人称为“五色石”的华美之物，觉得它美得有“妖气”。虽然如此，琉璃还是远远地吸引着艺术家，直到他终于动手，决心压制那股艳美。

投入创作时，杨冬白成了厂房里的老师傅。他采用青铜脱蜡铸造法高温脱蜡，从造型设计、灌制蜡模、制成含蜡石膏模，再以蒸汽加温脱蜡，到1000℃高温烧制琉璃粗胚，他用数月时间与材料周旋，更重要的是最后的抛光与打磨控制。“琉璃光彩透明，这是它的优点，我根据自己的考量一点点把它的光彩压退，通过抛光控制，让它的另一种质朴属性呈现出来。”

站在《江山卧游境界》作品的正面，琉璃的华美色泽在打磨片的力道下变得含蓄，粗粝而古朴，绵长的群山蜿蜒起伏有了气势；山的沟壑中加入白石膏粉，远远望去，青白云烟缥缈。绕去作品背面，眼前将是一幅完全不同的景观：那些历历在目的岩石、沟壑、云雾此时全部融化于一面光滑的琉璃里，如一缕缕山水魂气凝结于琥珀。等到展厅光源开启，琉璃雕塑彻底汇聚了生命气息，玛瑙般的色调不温不火，如山水画中极淡的浅绛，白石膏此时流出丝绢般的光，几步远的距离观看，山光水影，淙淙弥漫。

至于压制到什么程度，依的是艺术家造型艺术的“童子功”。如今，中国美术馆里收藏着杨冬白在80年代的大理石雕塑《饮水的熊》。熊与熊的倒影在一座圆雕里“妙合”，平面造型的绘画题材变形为立体雕塑，彼时雕塑界赞叹于这位年轻雕塑家的大胆突破与高明艺术加工。那时，杨冬白即已显露对物质材料的运筹和与众不同的胆略。

饮水的熊 ，大理石雕塑， 23×54×60cm ，1982

“雕塑是简单的塑型么？我觉得没那么简单 。它有一种肌理、造型、空间、结构、力量之间的相互关系。我觉得这在许多美术教育里是找不到答案的。”

杨冬白觉得，雕塑与人、自然物质之间的关系错综复杂，要从具体的媒材中找到精神的灵性表达。自80年代开始，山南水北地游历，他在敦煌莫高窟拿着手电筒，在光影中凝视残缺的佛像与壁画——寥寥几笔即有虚实透视、精妙入神，那强烈的音乐律动和驰骋的伟大意象几乎让他屏息。另一次，是在温州开往上海的绿皮火车上，那时杨冬白16岁，他贴着窗玻璃第一次看见黛蓝的远山几近透明的形态，目瞪口呆。他感受到自然的精神化力量，而雕塑不就是物质与灵魂的碰撞？

《秋意》， 铝板、着色，177×113×19cm，2015

自此，他始终在这碰撞中积蓄。他常常去山里，对着山一看就是半天。在日本东京艺术大学期间虽然学雕塑，但花长时间研究、熔化材料，以表现他难以忘怀的虚实对比之美。在《山中人》这组作品里，摆脱了笼统雕塑的匠气，杨冬白将内心感受到的自然界的灵动野趣，谱入琉璃光洁硬朗的结构中。隔开一段距离看这组作品，两山相照，釉玉质感中透着纯净，仿佛从心灵里瞥见雕塑家徘徊于山川之间，目眺万物的自由。

不拘于目的地寄兴于创作本身，凝固那消逝的古典世界，心灵永远在路上

一面是姿态纵横的生命，一面是静穆观照的心灵，杨冬白的雕塑因一体两面而具诱惑力。他自白，要么喜欢极动的状态，要么极静。他可以在连续时间段里密集地创作，他竭力塑造出他的心景。

那些在铝板上着色的严谨试验、沸腾的不锈钢吹气锻造、不断压制的琉璃雕塑，在极端游走间所产生的作品使他热血激荡，在那种状态下，每一寸材料在雕塑者心的运筹下而活，而变幻，至于具体是哪一种材料，无需苦心寻觅。艺术家承认，他一度以原始的张狂和冲动为中心，当这冲动在每个神经末梢渗透，独特的作品就会亮出来。

天风吹拂系列，不锈钢，2018

《群山云雾境界》， 琉璃、石膏， 41.5×52×665cm，2015

可艺术家的巨大冲动和能量，也无法把他所经历、所置身的时代与文化像外套一样脱掉。经历过改革开放前后的巨大转变、“85新潮”、90年代艺术市场化启动，杨冬白说他们这一辈艺术家，一生都在直面国家社会的变动巨潮。“艺术家的心灵在震动。”

1991年，杨冬白在国内崭露头角后远赴日本，在日十余年中的身份转换，让他除了作品的风格、意义，更多地思考自己作为个体存在于文化背景中的意义。这样的思考至今持续——中国人是怎样的一个群体？中国人的价值观何以体现？

“我们生长在这片土地上，我们的新潮原理基于什么？当代艺术概念实质在哪里？”

毫无疑问，艺术需要艺术家静下来体验血液里的文化，再认识现实生活的内涵。“在这个品味过程中自问，所谓的传统审美与中国人文精神究竟是些什么。虽然，这其中有很多较民族主义色彩的东西，但这种回归是必须的。”

杨冬白 群山叠翠 铝板、丙烯色133×204×23cm， 2017年

如果以为杨冬白所说的“回归”代表人们耳熟能详的传承、复古等词语，大概又误解了艺术家的方法论。正如他的雕塑最怕“像”别人，正如他不希望自己成为“一个有某某代表作的艺术家”，他认为构成艺术的主要部分还是艺术家自己的独立人格。他坚信艺术根据人格走，没有独立人格，功利而盲目地挪用因袭，只会让艺术在奴性的文化特征里丧失独创性。

今年夏天，刘海粟美术馆展出杨冬白一批新近“山”主题雕塑，以大面积黑色涂抹，不追求层层细致。人们对古代山水的想象被浓重粗粝的单色瞬间阻断，站在雕塑前心中一顿，如同凝视一个正在逝去的古典世界于艺术家心中留下的种子，而种子会在新的土壤里不断抽枝，长出一种笃定又独立的模样。

晨烟暮霭系列 铝板、金属漆 300x170x15cm，2018

杨冬白希望人们在其作品前产生一瞬的“停顿”，停歇在他塑造的知觉里。他对同一题材和画面不断言说，在言说中转换、强化出自己的语言方式。他以为致敬古典世界并非还原一幅古典山水画或其他图景，也不是纵横学究成为“流派家”，而是以自己的知识结构、能量与自然冲动不断言说，坚持下去，直到一个真正有生命力的表现形式降生。

在30岁的时候杨冬白就已想清楚，以巨大的热情和手作劳动将内心世界的韵律提炼成形，那是一个并不宏大、也没有精工细巧的形式，几个小山包、几块墨片、几朵云缭绕，却带来涌动和感怀。当太阳无预告地下沉，稻田开始陷入深潭般的阴影，这形式好似闪烁的琉璃，无论从什么方向看过去，都有生命从中流出来。

作者：李思文

编辑：李思文

责任编辑：邵岭

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