《欧洲古董珠宝通典》

陶姜力 著

中国画报出版社2022年6月出版

《欧洲古董珠宝通典》针对每个时期的珠宝，逐一分析了典型风格、典型珠宝形象与款式、典型宝石材质，清晰明了。卡地亚、梵克雅宝、宝诗龙、蒂芙尼、迪奥等品牌，不再仅仅是奢侈品的代称，本书详细论述了这些品牌珠宝在不同时期的艺术风格，以及背后的社会历史原因。用历史、社会、艺术、设计、时尚、科技等不同角度共同去分析珠宝的发展，尤其是社会关系、社群行为、科技发展、东西方文化交融、革命性艺术思想、哲学等角度，以及包括新大陆发现、考古发现等异世界文化因素。

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文艺复兴时期珠宝

社会历史背景

经历了黑暗的中世纪，欧洲开始进入新一轮的蓬勃发展时期。随着14世纪文艺复兴的开始，到了15世纪，由于经济的发展，个体商业主开始振兴，资本主义萌芽，人文主义开始在意大利兴起，这也是整个欧洲进入文艺复兴的开端。15世纪中期，意大利的整体风格发生了巨大的改变。艺术家们开始从考古挖掘出土的古希腊和古罗马文物中汲取艺术创意灵感，在意大利王室和城市贵族的大力支持下，这些艺术家们可以全情投入个人艺术风格的创作中。文艺复兴时期的艺术影响不仅仅在于对那些公元前文明工艺的复刻和复兴，也更多地在于从古代雕塑、壁画、生活用品、装饰器物等遗迹中提取元素。

但是与当时革命性的整体艺术风格不同的是，珠宝设计在该时期似乎并没有受到艺术变革的直接影响。除了一些少量在中世纪就已经流行的贝壳雕刻的时尚珠宝，几乎没有任何更久远的古代珠宝为人们所知（很多珠宝在之后的19世纪末期才逐渐被挖掘发现，这也是因为当时的考古工作中，条件设备所限，所以尚未发现）。虽然古老的金工技艺，如金丝和雕金等，都没有得到复兴使用，但是经典神话的元素和题材却为珠宝设计提供了进入古老世界的大门。从中世纪而来的圣经主题在浪漫主义时期也依旧流行，也持续为珠宝创作提供了大量的绘画元素。浪漫主义风格从16世纪开始向意大利北部城市传播，并逐渐取代中世纪的哥特风格。当然，随后，便开始影响整个欧洲社会。

风格及技术

文艺复兴时期的浪漫主义题材，其新生的艺术形式在绘画和雕塑作品中最为明显，而这两种艺术形式所产生的变革，对珠宝设计领域的影响最大。当时的艺术家很多都受雇于当地的富商或贵族，不仅要绘制绘画作品、雕塑作品，还要设计家具、装饰品、金银器等，可以说当时的艺术家同时还是设计师。当时很常见的情况是珠宝作品由画家设计，并由一位金匠制作成型，一位工匠雕刻、制作珐琅，而另一位工匠镶嵌宝石，每个人在不同领域发挥所长，并综合制作。而这一工作流程和现在的珠宝定制也非常相似，设计师们专心于图纸创作，而制作则交由首饰加工厂的师傅完成。

故此，文艺复兴时期的许多艺术家开始了金银制品、金属器制作的职业生涯，并借此来更好地了解线条的准确表达性和风格的明确性。而这种职业上的变换，也使得画家和雕塑家们能够与金匠密切合作，并且能够将文艺复兴的肖像画完美地在珠宝作品中诠释出来。而这些珠宝作品的保存和流传，也让那些因战争、历史变革而没能够保存下来的绘画、雕塑作品，及其表达的形象和主题得以留存下来。

刚经历了中世纪战乱的欧洲贵族们发现，参与战争需要花费大量的财力，而在当时没有纸币流通的情况下，金币、银币等贵金属等作为流通货币，虽然有很明确的交换价值，但因重量问题极不方便携带，同时大量的金币运输也是盗匪的目标。在文艺复兴时期，珠宝就因其较小的体积、极高的价值以及在上流社会里的流通便利，被公认为是可方便携带的财富。当时典当行业中对珠宝的记录，也为现在进行社会历史研究和珠宝款式历史研究提供了大量珍贵的信息。

那些幸存下来而留存至今的珠宝作品，向现在的人们展示了当时非凡的手工艺制作水平，但是，如上所述，对文艺复兴珠宝的全面了解还是需要通过该时期的绘画和雕塑作品，才能真正知晓该时期珠宝作品的辉煌。金匠们在金工交易的过程中，逐渐出现了某些特定工艺的大师，他们因超高的技艺和不可复制的作品而出名，这些大师的工艺随着贸易的流通在欧洲也享有极高声誉。

相对其他时期来说，辨别文艺复兴时期珠宝作品的生产制造地域比较困难。这是因为中世纪过后的欧洲处于复兴阶段，各国工匠之间的工艺和创意之间的频繁交流，使得珠宝制作更具国际性，有时候甚至会出现由一个国家的艺术家设计出的珠宝草图，被另一个国家的工匠制作完成。这种频繁的国际性工艺交流使得欧洲不同地域的珠宝风格也相互融合，最终产生了这种很难判别制作地域的结果。随着16世纪上半叶绘画及雕塑新风格的出现，珠宝设计的改变也渐渐从意大利扩散到法国，之后再到德国和英国。微雕珠宝作品成为受大艺术环境影响的重要产物。另一种极重要的珠宝作品，是当时的画家开始设计制作雕刻并着色的珠宝作品，结果这种作品在欧洲得到极为广泛的传播使用。这些着色的珠宝作品在500年后的今天，都依旧保存完好，并向人们展示出了与矫饰主义风格极为紧密的联系。

1494年，当哈布斯堡皇帝马克西米利安一世在米兰迎娶比安卡·玛利亚·斯福尔扎时，宫廷便向整个意大利艺术敞开大门。文艺复兴风格在神圣罗马帝国缓慢地传播，而哥特风格的珠宝直到16世纪末期依旧非常流行。德国工匠大师在16世纪中期采纳文艺复兴风格，并且德国也吸引了大量的欧洲珠宝设计师和制作工匠。奥格斯堡最终成了最重要的珠宝制造城市。

17世纪初，一种新的珐琅工艺（ émail en résille）被发明使用，而在这期间也出现了一些新的装饰风格。珠宝设计风格也变得更倾向于自然主义，并且宝石的排列符号也逐渐占据主导地位。到此时，浪漫主义便让位于巴洛克风格。

珠宝类型

文艺复兴时期最重要的珠宝便是吊坠。吊坠在此时期取代了中世纪的胸针成为最常见的珠宝类型，吊坠常与项链、长金链相结合，也常镶嵌在裙装中或是腰带上。吊坠常被设计为两侧均有典型的文艺复兴风格，背部为镶嵌的彩绘珐琅，并与正面的豪华装饰相呼应。

宗教类风格的吊坠在此时依旧非常流行，装饰有微雕的神圣风景或是神圣字母“ IHS”，取自希腊文中的“基督”的首两个和最后一个字母。纪念性的珠宝吊坠也非常多见，这些吊坠多镶嵌有佩戴者亲人或伴侣名字的首字母，但重要的吊坠很少能够保留下来，因为这些吊坠非常私有，而且大多在佩戴者死后便被销毁了。

吊坠中的人物肖像常用珐琅绘制，用贝壳雕刻的也非常流行，装饰风格也有阿拉伯式花纹图案、水果、卷轴和丘比特。神话主题中的仙女、野兽与神圣形象一样非常流行。另外，还有选自航海冒险家历程题材的帆船、美人鱼和海怪形象珠宝。

该时期的戒指被人们戴在五个指头上，甚至是一个手指上戴多个戒指的中世纪时尚也一直留存下来。这些戒指大多是宝石镶嵌的，而且比其他装饰品更为瑰丽。有些戒指有隐藏的暗格空间，暗格里藏有香料来掩盖体味，因为当时卫生条件有限，很多普通人无法洗澡，故体味很重。当贵妇们无法忍受这些气味时，便会把藏有香料的戒指放在鼻尖下闻一闻。戒指也开始与罗盘和太阳计时表相结合，到16世纪晚期，计时表已经能够完全与戒指相结合。

在1500年前后，第一个可随身携带的时间仪器问世，但实际意义上的计时表还没有出现。时间仪器与珠宝结合做成戒指、香料盒或吊坠。香料盒是另一种珠宝装饰，装有香水、香料或口香糖来帮助佩戴者掩盖难闻的气息。

与服装结合的珠宝装饰在整个紧身胸衣上，而并非像中世纪那样仅仅装饰在衣着的边缘。欧洲贵族的服饰上搭配有带扣、黄金饰品，大量的宝石或珍珠。实际上各种珠宝和黄金饰品都被装饰在贵族服装上。

耳坠在中世纪消失了一段时候之后，在文艺复兴时期又一次复苏起来。耳坠大多是用简单的梨形珍珠或珠宝坠来装饰，这些耳坠大多通过耳洞或环系耳廓来固定。到 17世纪早期，几何对称设计的耳坠开始出现，并且耳坠的长度开始加长。文艺复兴后期女性的发型风格的转变是对耳坠形式风格影响最大的因素。

▲穿着加冕服的约瑟芬皇后佩戴再现文艺复兴时期风格的祖母绿及天然珍珠的头冠、耳坠及项链

典型的宝石材料

16 世纪欧洲宝石的流通要比以往规模大很多。瓦斯科·达·伽马在1497年到1499年的好望角历险中发现了可直接抵达印度的航线。这条航线也使得欧洲商人可以直接从印度获得宝石，这条航线也给欧洲带来了大量的印度钻石。里斯本在此时逐渐取代威尼斯成为宝石贸易中心。布鲁日也在15世纪开始成为钻石切磨中心，但到了1500年，因海上战事的影响，安特卫普成了新的切磨中心。切磨产业在安特卫普繁荣了85年，直到1585年因西班牙国王腓力二世与荷兰的战争而中断。当时西班牙占领了安特卫普，荷兰海军也封锁了大量港口，这些严重影响了安特卫普的国际贸易，于是钻石切磨就又一次向北转移到了阿姆斯特丹，一直到20世纪，阿姆斯特丹都是欧洲钻石加工中心。当然巴黎也是欧洲另一个重要的钻石加工城市。直到17世纪，玫瑰琢型开始流行，文艺复兴也使得宝石的雕刻技术得以回归。

彩色宝石里的红宝石、蓝宝石和祖母绿依旧比其他宝石流行得多。除了里斯本，巴塞罗那在西班牙和葡萄牙殖民南美后成了重要的宝石贸易中心。最初宝石从南美的古迹和寺庙中被掠夺，到16世纪中期，西班牙发现了位于哥伦比亚的祖母绿矿山，建立了矿厂进行开挖。而葡萄牙占领了斯里兰卡，直接从斯里兰卡岛上获取红宝石。缅甸红宝石在当时非常珍贵。珍珠在当时也非常流行，主要来源于波斯湾。

宝石仿制品生产也在蓬勃发展。玻璃宝石是当时最常见的仿制品。用来仿钻石的玻璃、水晶和来自斯里兰卡的无色锆石逐渐进入市场。在威尼斯的珠宝贸易之中，那些仿珍珠也给欧洲珠宝市场带来了巨大的问题，而当时对仿制宝石虚假交易的惩罚相当严重，城市贸易管理者下令任何不诚实的交易者将面临被流放十年或斩断右手的处罚（也就是说，如果有人把这种仿制的宝石当作天然的真宝石来售卖的话，一旦被发现，要么选择被砍断右手，要么选择被丢到海洋的某个荒岛上，十年后才能被接回来）。