在大提琴低沉的乐声中，舞者用肢体表现古典乐的意境。(森海塞尔上海音乐厅供图)

“‘跨界，这个词已经被用烂了”，森海塞尔上海音乐厅音乐总监安栋语出惊人。而时下，上海音乐厅正决定推出“乐8”(乐无穷)　系列音乐会，主打的正是音乐与其他艺术形式的跨界合作。难道其中另有奥妙?

放眼全球，音乐与舞蹈、音乐与多媒体、音乐与绘画、音乐与科技……越来越多的音乐会现场跳出了一架钢琴、一支乐团的传统表现形式，用各种可能，探索艺术走近现代观众的途径。

面对记者“跨界的界限在哪里”的提问，安栋说首先要扳正的是大家对“跨界”的误读:“单纯的形式跨界只能说是拼凑，谈不上跨界。两种不同的艺术形式碰撞在一起肯定没有那么平顺，就好比你突然在管弦乐队里放进去一个唢呐，就很突兀。”安栋认为，跨界的关键在于内容本体，我们所熟悉的艺术体之间的屏障正在慢慢被打破，不同艺术领域的东西重新做结合，这才是跨界的意义。

未来的艺术呈现会越发多样，观众也会习惯于“多感齐下”，比如可以“看”的声音、可以“听”的舞蹈、可以“感知”的古典乐……最终，这些新颖的形式都将引导观众回归到音乐本身，这也是跨界的兴奋点所在。

京剧老生“疯了”?

在京剧行当里浸润了20多年，一直扮演“角儿”的王珮瑜看到了自己舞台生涯的局限性，这个“80后”老生骨子里藏不住的想挣脱窠臼的创造力，从那瘦削的身体里冲出来。

办“折桂令———乱弹·三月王珮瑜京昆演音会”，“瑜老板”放话:“我要在创作中弱化‘角儿，的概念!”没有“角儿”，京剧还是京剧吗?　这席话就好似掐住了京剧的命门，闻者纷纷说王珮瑜“疯了”。

王珮瑜当然没疯，但她也不怕别人说她疯，因为有一帮好友陪着她“一起疯”。第一次身兼制作、策划的她拉来了同窗好友林源　(作曲、配器)　和周毅(大三弦)。“我们身上都背着对京剧的深厚情感、行业的枷锁、舞台上的桎梏，创作的过程尤其艰辛。”王珮瑜说，要改变几十年养成的习惯难于登天，但是他们想试一试，给观众看点新东西，听点新感觉。

这场被王珮瑜称为自己“从台前走向幕后的里程碑式的转型之作”———“乱弹·三月”，以中国传统器乐吹打乐八音“金、石、丝、竹、匏、土、革、木”为主，让舞台上原本的主角“生旦净丑”作为乐器的陪衬。所有的独奏、合奏、演唱，既独立成篇，又形成对话。观众可以看到这样一幅罕见的场景:一边是原本在乐池里的演奏者，一边是舞台上的歌唱者———唱念作舞、吹拉弹奏，同处舞台，平等对话。

从昆腔的形成到水磨腔的延衍，再到花雅之争后京剧的逐渐完善，乃至于之后京剧的日臻成熟。王珮瑜回忆说历时一年的创作过程充满了碰撞和拉扯。最终的作品脱胎于京昆音乐，却又有别于传统的视听感觉，“是从传统里打碎再慢慢剥离出来的结晶”。

声音美学可“见”

有界内人士称当下全球古典乐最时髦的概念是“重作曲”。电子艺术家楼南立　(B6)　介绍，“重作曲”这一概念最初是由一家德国古典乐公司提出的，意思是一种古典音乐与电子音乐相结合的全新古典音乐，属于“新古典”。“说白了，就是用新时代的音乐手段解构古典乐”，楼南立说，“古典乐不应该死掉，而是用新的形式让它复活”。在即将举行的“日与夜———B6、宋思衡电子音乐与钢琴音乐会”上，他将和钢琴家宋思衡合作，以这种走在国际前端的方式演绎肖邦　《二十四首前奏曲》。

这两人初识于2014年的上海音乐厅，当时正举办“80后的时光机”多媒体钢琴音乐会，“在那时中国完全没有人开展这种实验　(音乐形式)”，楼南立至今觉得眼下是发展新音乐形式的最好时机。宋思衡说，尽管最初的跨界合作源自普及古典乐的初衷，然而越发深入下去才发现，这种前瞻性的艺术形式折射的是声音美学的进步。

《日与夜》　将与传统意义上的音乐会相去甚远。在宋思衡弹奏钢琴时，楼南立会操作多媒体装置，让现场观众可以通过舞台设计、前卫视频“看见音乐”。古典原声钢琴与多媒体装置的交互表演，也是古典音色和代表科技时代的“声音”的碰撞。

立体芭蕾能“听”

把古典乐的意境编到舞蹈中，用脚尖“演奏”出来———“乐·影———大提琴与芭蕾的对话”，旨在让舞蹈变得更“立体”。你一定想到了用肢体运动轨迹表现大提琴流畅优雅的外观线条、用唯美的双人舞表现琴弓与琴弦的交织，不仅如此，芭蕾舞者将用身体表现大提琴低沉的质感，用脚尖的舞步展现乐曲的思想与意境;另一边，大提琴拉出的旋律仿佛耳畔的芭蕾，在琴弦间感知舞者的跃动……

早在2015年，上海音乐厅曾举办过“黑白舞步———薛颖佳钢琴与芭蕾音乐会”。和这次的演出类似，《黑白舞步》　以巴洛克与印象主义时期的古典音乐为主线，配以现代芭蕾，呈现两者交融之美。

再一次将芭蕾与古典乐融合，上海芭蕾舞团团长辛丽丽说自己仍然很期待，因为古老芭蕾艺术需要更多的新鲜开拓。此次担纲大提琴演奏的新锐“学院派”大提琴独奏家陈卫平则表示，观众将在舞台上见证自己和舞者心灵的交融和共同成长。

文汇报记者　周敏娴